陈传席：美术之道 中西绘画的区别
开栏的话：为贯彻落实习近平文化思想，《人民周刊》特开设“金台谈艺”栏目。该栏目选择美术领域切入，努力以习近平总书记“衡量一个时代的文艺成就最终要看作品”“增强文化自觉和文化自信”等重要论述精神为遵循，从课题研究的视角，精心甄选，通过系列文章的发表，助力于推动新时代美术理论、评判标准的建设和中国画转型新的艺术形态的建构，从而在提升文化自信、推动靠作品说话铸就新时代美术“高峰”等方面做一些探索与推动工作。
本栏目下设“美术之道”专栏和“走向高峰”专栏。“美术之道”专栏，将以美术理论家的学术角度探讨中国美术复兴的路径和理论构建。“走向高峰”专栏，将主要发表课题研究文章和艺术家的艺术思考、创作心得、艺术评论和作品欣赏等内容。
——《人民周刊》新时代美术高峰课题组、中国画“两创”课题组
作者简介：陈传席，中国人民大学教授、美术史论家、美术评论家、博士生导师、人文学者、中国美术家协会理论委员会副主任，《人民周刊》新时代美术高峰课题组、中国画“两创”课题组专家成员。
我们谈文化自信，还必须证明我们的文化值得自信才行。如果一种文化很简陋、落后，对世界没有任何影响，那就不值得自信。
下面先看看中国艺术和西方艺术有哪些异同。
中国画是中国人的原创
欧美都没有原创的绘画
中国画是中国人原创的绘画艺术。现存战国时期的《人物龙凤帛画》，还有《人物御龙帛画》等，距今差不多2300年了，用毛笔、水墨、线条画在绢帛上，点染淡彩。后来则画在绢、纸上，仍用毛笔、水墨、淡彩，一脉相承，直至今日。原创也是独创，绘画的技法是中国人独创，绘画的材料、绢帛纸、笔墨、颜料，也是中国人的原创，和外来因素完全无关。
欧美都没有原创的绘画。其油画是古希腊人原创的，很晚才传到欧洲中心，被欧洲人接受。如果论原称只能称“古希腊画”，而不能称英国画、法国画、德国画、意大利画，也不能称欧洲画，更不能称美国画。当然有美国的画、欧洲的画。那是美国人、欧洲人画的，原创则是古希腊人。但古希腊现在又不存在了。所以“中国画”乃是世界上唯一的由中国人原创的画。
中国的水墨画又叫“中国画”，因为是中国人原创。油画，我们称为西画，是西方人的画。因为是从古希腊传入，法国、意大利、英国、德国、荷兰等都是接受者，画的形式、方法、风格大抵相同。所以，并没有法国画、英国画、意大利画等。
西方的画就叫画（paint），中国的画有民间画、画家画、文人画之分，特别是文人画，在画上题诗题文、盖印，后代的文人、画家、名人也可以在这张画上题字盖印，还可以另外加纸题写诗文，和原画装裱在一起。再后的人欣赏起来，丰富无穷。欧美的画都做不到。欧美很多收藏家和研究家感到特别遗憾。他们中有的人说：“其实伦勃朗的画，后来的画家学者肯定都看过，像戈雅、大卫、安格尔、德拉克罗瓦、米勒、库尔贝、德加、马奈，直至莫奈、塞尚、毕加索等肯定都看过，但就是没有留下记录。中国的名画，后世的画家、学者、收藏家看过，会在上面题记、盖印，历史性太强、太丰富、太妙了。油画没有办法。”
中国画是哲学的“神遇”
西方画是科学的“目视”
中西绘画的最大区别，也是最根本的区别，还在于“目视”和“神遇”。
传统的中西绘画区别很多，但最根本的区别是西方画以“目视”，中国画以“神遇”。西方学者说，西方画是科学的，中国画是哲学的，这是很有道理的。
“目视”即用眼睛去看，“神遇”是用心神去领会、思考。当然，西方画用“目视”，不是完全没有“神遇”，只是基本上靠“目视”；中国画也必须先“目视”，但主要是“神遇”。
先从美的认识来看。
西方人认为玫瑰花最美，花红而大，叶绿而肥，所以，送情人的花最多是玫瑰花，因为目视之很美。
中国文人认为石头最美，梅、兰、竹、菊最美，人称“四君子”。宋朝的文人米芾见到石头就下拜。石头怎么美呢？因为石头独立自由，不倚不靠，冷热不改其容。这就是寓意做人，不要依靠什么势力，不要拉什么关系。不管你身居高位、炙手可热，还是你门庭冷落，我都无动于衷，可谓宠辱不惊。《周易》反复说“介于石”，即耿介正直如石之状。石头的这种高尚品德正是人所需要的。所以中国人爱石头，古人常说“士无石则不雅”。中国文人画家差不多都爱画石头。梅花虽小，又无绿叶扶持，远不如玫瑰美，但梅花冬天开放，有冒风雪抗严寒的精神；兰，朴实无华，但香气溢远，即使无人观赏，身处深山偏僻之境，也散发自身的香气；竹，钢骨虚心（中国人的虚心和谦虚同义），“未出土时先有节，至凌云处仍虚心”。竹有节，这个节和人要有气节的“节”同义。一般的花在春天开放，秋天就衰败了。设想秋天如果没有菊花，那真是煞风景。但菊花偏在秋天开放，众花皆不开了，它开放了。这就是不同流俗，具有反潮流的精神。所以这四种植物被人称为“四君子”。
石头、梅、兰、竹、菊，不是靠目视之美，而是靠人的心神领会，靠哲学分析，具有君子人格力量，才能感受到它们的美。
所以美与不美，西方人以“目视”，中国人以“神遇”。中国人称“目视”的“目”是“陋目”。因为目只能看到物象的表面，至于物象的内涵、物象所联系的哲学含义及人格修养，目视无能为力的，只有靠心神去“遇”，即神遇。
再从绘画的因素来看。
西方画因以“目视”，所以，要色彩美，色彩要丰富，本色（固有色）、光色、环境色等，皆要符合科学，而且必须在丰富中见统一。中国画因受道家思想的影响，反对色彩太多。如前所述，道家认为“五色乱目”（《庄子》语），“五色令人目盲”（《老子》语），“朴素而天下莫能与之争美”（《老子》语），“玄之又玄，众妙之门”（《老子》语）。玄是黑，是母，所以中国画以水墨为主。墨色黑，又是母色。墨分五色，只有玄、母才可分为五色。中国画用墨，要在统一中见丰富。虽然是一笔墨色，但却变化多端、内涵丰富，这变化，目所能视的是干、湿、浓、淡的变化，但内在的变化只有学养很深的人才能感受到，外行和学养不深的人是无法感受到的。而西洋画的色彩，凡人皆可目视而见。
所以，西方画讲究形式美、色彩美、视觉冲击力，形式、色彩、视觉都是“目视”所得。
即使是文艺复兴时期，那些大师们的油画，细腻而真切，也是为了悦目。如前所述，西方画家反复强调“绘画的目的是悦目”“画只为眼睛看”，因而必须讲究形式美。
中国画讲究“切实之美”，反对表面上的“好看”。《茶疏》说“不务妩媚，而朴雅坚致”，即不求形式上的好看，而要朴实、高雅、坚致。清朝沈宗骞在他的《芥舟学画编》中说：
凡事物之能垂久远者，必不徒尚华美之观，而要有切实之体。
“华美之观”即形式美，是不必过求的，“切实之体”是内在美。
中国人传统的观念是“和顺积中，而英华发外”（《礼记·乐记》）。内里充实，表现于外的“英华”才是真正的美。又云“腹有诗书气自华”，读了很多诗书的人，表现出来的气度美才是真正的美。而且，外表装饰得十分华丽的人，反而会影响他因内在气质而表现出来的美。实际上，真正有学问、有知识的人，外表也不会过分装饰的，画亦然。
再从西方人注重的“视觉冲击力”来看。所谓“视觉冲击力”，就是画面上的笔触出奇，形象险怪突出、灿烂峥嵘，给人十分特殊的印象和力量。而中国画家认为这是不成熟的表现。犹如一个不成熟的青年，横冲直闯，而成熟的长者却沉静而安详。为什么要“视觉冲击”呢？那是形式的东西，能从“平淡”中看到美，才是大美，才耐看。
中国在距今一千八百年前有一本刘劭写的《人物志》，评论人材，“主德者，聪明平淡，总达众材”（最高的人物，所具有的才德是聪明平淡）。又说：“凡人之质量，中和最贵矣，中和之质必平淡无味，故能调成五材，变化应节（勇、智、仁、信、忠五种材德，都能在他的调和中顺应社会和发展的规律），是故观人察质，必先察其平淡，而后求其聪明。”古人把“平淡”排在“聪明”之前。中国人评画和评人是一致的。
“质任自然，是之谓淡”，自然、天然、天真都是“淡”的主要标志。自然界也有奇崛险怪的东西，但是很少见，最常见、最天然的才叫“平淡”。距今大约一千年的宋朝大文豪苏轼说：
气象峥嵘，五色绚烂，渐老渐熟，乃造平淡。
“气象峥嵘、五色绚烂”都具有视觉冲击力，但还不成熟，要再努力，达到平淡，才是高手。两千多年前的《庄子》说：
淡然无极，而众美从之。
可见“淡”“平淡”，乃是中国画美的最高标准。
但是，表现出来的是平淡，而内在的笔墨必须丰富。清末民初的《画学讲义》中说：“由神奇而入平淡，全在笔墨静逸，气味幽雅，脱尽雄劲之习……亦须平时多读诗书……”至于完美的内在功力、内涵之丰富，必须有学问、有修养、有研究的人才能看得出来。
清朝的学者笪重光写《画筌》说：
丹青竞胜，反失山水之真容；笔墨贪奇，多造林丘之恶境；怪僻之形易作，作之一览无余，寻常之景难工，工者频观不厌。
也是反对“竞胜”，反对“笔墨贪奇”，反对视觉冲击力，主张寻常、平淡。
当然，如前所述，平淡是形式上的，而内蕴却必须丰富，内藏无穷的学问。
中国画重线条，西方画重块面。中国画的线条必须借鉴书法，书法的用笔有无穷的学问。怎样下笔、运笔、收笔，一波三折。如何提、按、转、顿、挫等，如何将自己的感情融汇进去，都要考虑。而且，画家还必须有很高的文化修养、很深的中国古典学问知识，画的格调才能高。如果文化修养差，你再懂用笔用墨的技巧也画不好。所以，中国画看上去很容易，但也最难画好。不要说外国人，就是中国人，如果没有很高的文化修养和专门的研究，那也是无法理解、无法心领神会的。
再说中国画和西方画透视的区别。
西方画研究焦点透视，即限定在一个视点、视向和视域的一种透视。故传统西方画没有长卷（横）和长轴（竖），这是符合“目视”的。而中国画因为是“神遇”，并无焦点透视，因而一幅画可以很长很长。如宋代《千里江山图》长卷，纵55.6厘米，而横1192厘米，横是纵的大约20倍。还有宋代的《清明上河图》长卷，纵24.8厘米，而横528.7厘米，横是纵的20多倍。这在西方画中是没有的。人的眼睛不可能一下子看那么长的景，故中国画不讲究焦点透视，有人称为散点透视，即有很多视点的透视，其实是无透视。因为中国画不是靠“目视”，而是靠“神遇”。“神遇”可以自由驰骋。大自然中的山水，或想象中的山水，连绵不断，都可以靠“神遇”而画入画中。中国画不满足于感官（目）去观察及记录大自然，而是用神思、理性去理解世界，用笔记录自己理解的世界。西方画家到了20世纪的毕加索、达利、康定斯基等，才知道可以把“象征”“梦幻”和“潜意识”等想象的东西画入其中，这已落后中国一千年了。
西方的传统绘画，尤其是在没有受到中国画影响之前的绘画，主要是复制真实的对象，人的组织、结构、光线、自然光、环境光、反射光等，三大面五大调，都必须十分准确，差一点都不行。这些也都靠“目视”，一点看不准就会失败。而中国画中的写意画，靠的是精神。宋汪藻《浮丘集》卷三十《赠丹丘僧了本》中诗云“精神还仗精神觅”，虞集《道园学古录》卷二十八《江贯道江山平远图》诗云“江生精神作此山”，勾线、赋色、笔墨主要用精神去驱使。疾、徐、稳、虚、实、动，全靠感觉，随意涂写，甚至不用眼睛。有的画家眼睛失明了，或白内障严重，视物十分模糊，都能靠感觉画出好画来。有时靠感觉不用眼画出来的画更好，这感觉就是“神遇”。
传统西方画处处要实，虚处也要靠实笔来画，空白处也要用白色去画。而中国画，虚处要虚，实处要化实为虚，而且化实为虚最要功夫。这正如西医，血管、神经都实实在在地能看到，能透视出来。而中医的经络、气完全看不到，也透视不出。中医的虚病实病、火、寒也完全是虚的，是靠感觉而知，见不到，即使把人体完全解剖一遍，再用放大镜，也看不见，但名医就能在这虚处发现病，治疗病。
中国画的虚，还有格调的雅和俗，也完全靠感觉。这感觉中以知识的多少为高低，最后都在“神遇”之中。
世界真正大艺术家大理论家推崇中国画
艺术实际地位靠实际价值决定而非金钱
从西欧到东欧，再到美洲，全世界凡是真正的大艺术家、大理论家，都推崇中国画。如前述毕加索、梵高等，还有大理论家贡布里希等。
西方现代派、后现代派开始反对感官美，但又认为“艺术与美无关”。美国现代派画家巴尼特·纽曼（Barnett Newman）甚至说：“艺术家看美学就等于鸟看鸟类学一样莫名其妙。”被称为后现代艺术之父的杜尚也认为艺术不必要感性美，而要有哲学深义。他的名作《从处女到新娘》（The Passage from Virgin to Bride，1912）等，只用一些直直无变化的线条构成，虽然有一定的哲学内涵（但如果他不解释，别人也看不懂），但无美感。把美丢掉了，太不应该。
杜尚把小便池倒过来一放，还有人把帽架子吊在墙上。试问：美在哪里呢？
西方现代派、后现代派认为，绘画中要表现哲学，这是中国画一贯的主张，他们仍然是步中国画后尘。但中国画中有深厚的哲学内涵，不仅在意境，也在笔墨和形式，同时也有美感。这些，西方绘画仍然做不到。中国的毛笔毫软，下笔有丰富的变化，西方的硬笔无法做到，更重要的是他们没有这个传统。
艺术的实际地位是由它的实际价值来决定的。我们听话也只能听大艺术家和大理论家等内行的话。外行、无知者的话再多，也都毫无价值。何况那些认为中国画落后的人并没有拿出任何证据，更没有讲出任何道理。他们唯一的标准就是：中国画在国际市场上卖价不高。而这个价格却正是无知的商人们所定。我们只需反问一句：难道艺术的价值是靠金钱来衡量的吗？商人的眼光能超过大艺术家、大评论家的眼光吗？
再从艺术实践来看，中国画用线表现已有两千多年的历史了。西方绘画近代才知道用线，而且才知道用线作画是最好的方法，他们的艺术归到中国画所开辟的正道上来，但已晚于中国画两千多年了。
（《人民周刊》2023年第20期）
（责编：张若涵）
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